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30 Jahre Tanz- und Kulturgeschichte, die in der Gutenbergstraße anfing und heute, von der Schiffbauergasse aus, lokal und international die Tanzszene prägt. Der Eintrag der fabrik Potsdam als gemeinnütziger Verein setzte im April 1991 den offiziellen Beginn für diesen Weg. Mit Festivals wie u.a. Potsdamer Tanztage und Made in Potsdam, internationalen Gastspielen, Tanzproduktionen, Künstlerresidenzen sowie einem breiten Angebot an Kursen und Workshops ist die fabrik seitdem zum zentralen Ort für die Produktion, Präsentation und Vermittlung zeitgenössischen Tanzes in Brandenburg geworden.
 
Mit dem Projekt Lieber Tanz - Briefe an den Tanz feiert die fabrik Potsdam den Tanz und ihr 30-jähriges Jubiläum und lädt gemeinsam mit dem Künstlerzwilling deufert&plischke Menschen unterschiedlicher Herkunft und Erfahrungen, Jung und Alt, Tanzerfahrene und -Novizen ein, Tanzerinnerungen auszutauschen, Lieblingsbewegungen zu (er)finden, zu tanzen und Briefe an den Tanz zu schreiben! In realen Begegnungen sowie virtuellen Workshops sammelt die fabrik Liebesbriefe, gezeichnete Bewegungen, lustige Anekdoten, verworrene Lebensgeschichten, Reiseberichte und vieles mehr – verbunden sind sie alle in ihrer ganz persönlichen und unterschiedlichen Beziehung zum Tanz, zum Körper, zur Bewegung. So entsteht ein lebendiges Archiv voll von vielschichtigem Wissen, Erinnerungen und persönlicher Tanzgeschichte.

Im Rahmen eines digitalen Balls am 17.04.2021 laden deufert&plischke, die fabrik Potsdam und langjährige Begleiter*innen der fabrik zu einer Tanzparty ein, welche weit über Potsdam hinaus in die Wohnzimmer strahlen soll – also Kind und Kegel einsammeln, den Sekt kaltstellen, Tanzdress überziehen, Freunde und Familie bescheide geben und los geht’s. Jede*r ist eingeladen mitzufeiern!

Weitere Informationen unter:

www.liebertanzpotsdam.de
www.fabrikpotsdam.de

HELLO KEVIN/Installation of the Senses ist ein Hybrid aus Text, Musik, Bewegung, Installation, Video und multimedialer Chat-Übertragung. Mit der performativen Installation wird ein fiktiver Raum namens „Kevin“ geschaffen, der zu einer multimediale Reise durch eine kitschig-düstere Zukunftsvision einlädt.
Drei Protagonist*innen begleiten die Zuschauer*innen durch dieses genauso verstörende wie einladende Universum, das beständig zwischen Utopie und Dystopie schwankt. HELLO KEVIN/Installation of the Senses möchte dabei die großen Sehnsüchte des Publikums im Lockdown ansprechen und fragt nach seinen Hoffnungen und Ängsten: Ein Eintauchen in eine theatrale Welt voller Sinneseindrücke, die Assoziationsräume changierend zwischen Nähe und Distanz, Bewegung und Stillstand, Faszination und Verstörung, Vernunft und Lust erschafft.

Von und mit:TEAM VOLUME
Choreografie: Johanna Lemke
Sound / Musik / Medien: Jacob Stoy
Kostüm: Therese Witt
Bühne: Teresa Monfared
Gäste: Rahel Savoldelli (Schauspiel), Chris Scherer (Tanz)
Lichtdesign / Bühnentechnik: Asier Solana
Grafikdesign: Jacob Stoy
Foto: Arne Grugel
Sprecher: Tilman Strauß
Video: Walter Bickmann 

Wenn wir uns mitten im Leben meinen

Eine Kunstaktion für Corona-Betroffene von Nico and the Navigators und dem Kuss QuartettWir verschenken Kunst: An sechs Tagen im Februar – vom 22. bis zum 28. Februar 2021 – wird das Ensemble Nico and the Navigators im radialsystem Berlin für eine Reihe musikalisch-szenischer Miniaturen zur Verfü-gung stehen. Sechs Gäste sind eingeladen, sich jeweils ein Musikstück - von Pop bis Klassik - zu wünschen und von ihren speziellen Erfahrungen mit der Pandemie zu berichten. Zur Vorbereitung dient ein Fragebo-gen, der private sowie gesellschaftliche Aspekte von Covid-19 in den Blick nimmt. Die eingeladenen Gäste sind in unterschiedlicher Weise von dem Virus existenziell betroffen und stehen damit stellvertretend für viele Menschen in unserer Gesellschaft. Aus den Musikwünschen und Texten der Betroffenen werden Nico and the Navigators jeweils innerhalb eines Tages ein Musikvideo drehen, das dem Gast gewidmet ist. Die Teilnehmer können auf Wunsch auch anonym bleiben.

Ab dem 27. März wird die Musikvideo-Reihe P R E S E N T über die Webseite des radialsystems sowie verschiedene soziale Medien veröffentlicht. Die musikalische und szenische Besetzung für die einzelnen Videoclips kann variieren:Von dem Streichquartett Kuss Quartett, dem Pianisten Matan Porat, der Geigerin Elfa Rún Kristinsdóttir, dem Schlagzeuger Philipp Kullen, dem E-Gitarristen Tobias Weber, über den Bariton Nikolay Borchev, den Tenor Ted Schmitz bis hin zur Tänzerin Yui Kawaguchi, den Tänzern Ruben Reniers und Florian Graul, der Schauspielerin Annedore Kleist sowie dem Schauspieler Patric Schott.

Stream via www.hebbel-am-ufer.de / HAU4  und www.mimimi-space.com

Im Vordergrund des Projekts MIMIMI Space steht der Prozess von Antirassismus und Dekolonisierung unseres Denkens, Sprechens und Handelns. Aufgrund des pandemiebedingten Lockdowns konnte dieser Prozess nicht auf die Art und Weise für die Öffentlichkeit geöffnet werden, wie eigentlich geplant – es sollte einen direkten Austausch mit dem Publikum geben, der über Filme bzw. digital schwer herzustellen ist.

Für die ersten drei Teile des Projekts, die Begegnungen, wurde dennoch der filmische Weg gewählt; „CLEANSE/NU“ sperrt sich jedoch dieser Lösung. In einer filmischen Dokumentation werden nun quasi als Zwischenschritt der künstlerische Arbeitsprozess und die Gedanken und Diskussionen während der Arbeit beleuchtet. Orí ist Yoruba und bedeutet Kopf. Der Kopf als Schlüssel zu der eigenen, persönlichen Emanzipation und als Verbindung zur spirituellen Welt spielt eine wichtige Rolle im ganzen MIMIMI Space. Die filmische Dokumentation ORI CLEANSE gleicht nun einem Blick von außen und zugleich einer thematischen Weiterführung des gesamten MIMIMI Projekts, deren Höhepunkt die Live-Premiere der Tanzperformance CLEANSE/NU im HAU2 sein wird.

Was wir hier suchen: die Seele. Was wir hier nicht finden: die Seele. Wär’ ja auch krass.

Körper und Seele. Klingt abgedroschen. Ist es auch. Und das Vorhaben, die Seele aufzuspüren, hört sich größenwahnsinnig an. Größe und Wahn scheint allerdings passend. Vor allem dann, wenn wir es wirklich wissen wollen: Was denn? Wie viel Ego die Welt aushält. Wie viel Ego die Seele braucht. Und wie viel Körper das Ego. Ob wir da einsparen können und Potenzial umlagern. Wir müssen auf jeden Fall auf die Suche gehen.

Wenn nötig, nach dem Sinn. Eines von vielen Seelenklischees, sagst du.
Manchmal lässt sich die Seele doch auch ganz leicht zwischen aufgekratzten Mückenstichen finden.
Aber wen juckt ́s? Und wer kratzt sich?

Die Website www.draussenbeideninnereien.com  versammelt performative Annäherungsversuche an die Seele und ihren Körper. Hier (draußen) entfaltet sich ein Innenleben: Ein virtueller Denk- und Bewegungsraum aus Sprachkunst und Bildender Kunst, Musik und Licht.

Käthe Kopf nimmt das Leib-Seele-Problem wörtlich – und auseinander. Sie fragt, wie zwischen-menschlich Seele sein kann. Dafür begibt sie sich auf die Suche nach einem Gegenüber und verabredet sich mit eigens für dieses Projekt geschaffenen - eigensinnigen - Objekten. Zwischen seelennahen und seelenentlegenen Zwiegesprächen findet sich weder Fass noch Boden. Kein Wunder. Gut, dass wir nicht alleine sind!

In Körper und Seele, oder: Draußen bei den Innereien verhandelt Käthe Kopf ihre Perspektiven einer Choreografin, Autorin und Ärztin. In einem intensiven Dialog mit der Bildenden Künstlerin Lena Kiss ist eine Szenografie entstanden, die Spuren eines gemeinsamen Arbeitsprozesses über verschiedene Seelenbegriffe und heutige die Seele betreffende Alltagsimperative trägt. Die verschiedenen Objekte werden zu Bezugspersonen einer belebten Landschaft, die vielfältige Materialien, Größenverhältnisse und Figurationen vereint: Dort drüben hält sich ein abgehobenes Bein in Schwebe – hier hebt ein schwermütiger Teppich zum Rundflug an. Eine Performance der Dinge, (Text-)Körper und (Geistes-)Zustände entsteht, die offen lässt, was zuerst da war.

So werden wir auch herausfinden, was uns verbindet. Und ob wir einander noch ans Herz wachsen wollen.

Komm Liebes! Lass uns Nähe suchen.
Draußen bei den Innereien?

Künstlerische Leitung & Text & Performance: KÄTHE KOPF
Szenografie & Kostümbild: LENA KISS
Dramaturgie für Stück & Text: ALEXANDRA HENNIG
Lichtdesign: HANNA KRITTEN TANGSOO
Sound & Komposition: SIMON GEUCHEN
Sprecharbeit: CAROLINE SCHOLZ OTT
Körperarbeit: MIRJAM SÖGNER
Kamera & Schnitt: AÏSHA MIA LETHEN
Webdesign: JOSEPH WEGMANN
Presse & Öffentlichkeitsarbeit: AÏSHA MIA LETHEN
Produktionsleitung: DIETHILD MEIER

Eine Produktion von Käthe Kopf
Gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds
Mit freundlicher Unterstützung der Uferstudios und des ada Studios

From now on, it’s possible to watch The Ghosts, played in 2017 at Hellerau in Dresden.

In “The Ghosts”, Constanza Macras worked with Chinese acrobats and circus performers. It looks like these artists, who once won fame and fortune for their country with their bodily discipline, have been forgotten and “decommissioned” by Chinese society, even though many of them are still quite young. They recall the “hungry ghosts” – according to Chinese popular mythology, lost souls who have been forgotten by their descendants and lead a miserable existence in an intermediate world. For Macras these artists’ materially precarious, ghostly condition is a metaphor for life in contemporary China, with its contradictions, social injustice and power structures.

When possible, we kindly ask you to support us and send a donation via Paypal to officenoSpam@dorkypark.org

hier geht's  zum Film

Der Film zu der Performance "Knotting" dokumentiert in Ausschnitten die Recherche zum Stück und wurde fünf Tage vor der geplanten Premiere als Experiment gedreht. Das choreografische Porträt ist inspiriert von den flüssigen, elastischen, raumgreifenden Bewegungen der Tänzerin Francesca d’Ath und zeigt eine physische Auseinandersetzung mit dem Knoten. Eine tiefblaue Fläche schafft im Bühnenbild Bezüge zwischen Himmel und Erde, zwischen Realität und Traum. Es entsteht ein luzider Raum, der Teile des Körpers wie Cut-Outs erscheinen lässt und u. a. auf die sinnlichen und weichen Formen der Werke des Malers Henri Matisse verweist. Die Choreografie ist ein kraftvolles, fortlaufendes Spiel mit Wiederholung und Veränderung – mit Bewegung, die nie beginnt, nie endet.

Isabelle Schad ist Tänzerin und Choreografin, studierte Klassischen Tanz und arbeitete mit zahlreichen Choreograf*innen, bevor sie 1999 begann, ihre eigenen Projekte zu entwickeln. Ihre Recherche konzentriert sich auf den Körper und seine Materialität, erforscht die Beziehungen zwischen Körper, Choreografie, (Re)Präsentation, Form und Erfahrung und betrachtet körperliche Praxis als Ort für Lernprozesse, Gemeinschaft und politische Teilhabe. Ihre Projekte arbeiten an der Schnittstelle von Tanz, Performance und Bildender Kunst und werden weltweit auf Festivals, in Theatern und Museen gezeigt. isabelle-schad.net

KONZEPT, CHOREOGRAFIE Isabelle Schad
CO-CHOREOGRAFIE, PERFORMANCE Francesca d'Ath
SOUND Damir Simunović
LICHT Emma Juliard
KOSTÜM Charlotte Pistorius
PRODUKTIONSLEITUNG Heiko Schramm
KAMERA Walter Bickmann, Doris Kolde
Videoschnitt Walter Bickmann in Zusammenarbeit mit Isabelle Schad

Eine Produktion von Isabelle Schad in Koproduktion mit SOPHIENSÆLE. Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Unterstützt durch Wiesen55 e.V. Medienpartner: taz. die tageszeitung

Idee und Ziel des kollaborativen Projekts “The Unspeakable” ist es, einen kreativen Prozess anzustoßen, in dem soziale und politische Konzepte mit tänzerischen und theatralen Mitteln erkundet werden. Wie kann ein Trauma künstlerisch reflektiert und dargestellt werden und was sind die historischen Aspekte, die individuelle Traumata zu kollektiven Erfahrungen werden lassen?

Die Aufführung ist geplant für Mai 2022

Telmo Branco arbeitet als queerer Künstler interdisziplinär; er ist ausgebildet in den Bereichen Schauspiel, Performer und zeitgenössischem Tanz. Aktuell entwickelt er mit "The Unspeakable" eine Performance-Recherche über die kulturelle Stigmatisierung von Trauma. Außerdem arbeitet er an "The Tradition", einem Performance-Film über Generationstraditionen und systematische Unterdrückung. Sein Kurzfilm "The Kingdom" ist in internationalen Filmtheatern zu sehen und hat Ehrenerwähnungen von Inshadow - Lisbon Screen Dance Festival und Rollout Macau Dance Festival erhalten.

Telmo ist Mitglied in einem der choreographischen Teams, die an "Moving the Forum" im Humboldt Forum (Berliner Schloss) beteiligt sind.

#share Einblicke in künstlerische Arbeitsprozesse

Mit dem virtuellen Projekt #share bietet der Acker Stadt Palast Gruppen und Künstler*innen ab sofort einen Rahmen, sich künstlerisch auszuprobieren und zugleich mit ihrem Publikum auch ohne Live-Auftritt in Kontakt zu treten. Das Format ist ein Experiment – für alle Beteiligten.
Künstler*innen geben Einblicke in ihre Arbeits-und Probenprozesse und teilen sie online über die Kanäle des Acker Stadt Palasts. Das Publikum, die Nutzer*innen von Facebook und instagram sind herzlich eingeladen, Feedback zu posten und erhalten auf diesem Weg die Möglichkeit, als Co-Regisseur*innen und Dramaturg*innen zu agieren, um so aktive Prozesse mitzugestalten.
In loser Folge werden die entsprechenden Ausschnitte via social media, auf Homepage und youtube-Kanal des Acker Stadt Palasts veröffentlicht.

Was wir hier suchen: die Seele. Was wir hier nicht finden: die Seele. Wär’ ja auch krass.

Körper und Seele. Klingt abgedroschen. Ist es auch. Und das Vorhaben, die Seele aufzuspüren, hört sich größenwahnsinnig an. Größe und Wahn scheint allerdings passend. Vor allem dann, wenn wir es wirklich wissen wollen: Was denn? Wie viel Ego die Welt aushält. Wie viel Ego die Seele braucht. Und wie viel Körper das Ego. Ob wir da einsparen können und Potenzial umlagern. Wir müssen auf jeden Fall auf die Suche gehen.

Wenn nötig, nach dem Sinn. Eines von vielen Seelenklischees, sagst du.
Manchmal lässt sich die Seele doch auch ganz leicht zwischen aufgekratzten Mückenstichen finden.
Aber wen juckt ́s? Und wer kratzt sich?

Die Website www.draussenbeideninnereien.com  versammelt performative Annäherungsversuche an die Seele und ihren Körper. Hier (draußen) entfaltet sich ein Innenleben: Ein virtueller Denk- und Bewegungsraum aus Sprachkunst und Bildender Kunst, Musik und Licht.

Käthe Kopf nimmt das Leib-Seele-Problem wörtlich – und auseinander. Sie fragt, wie zwischen-menschlich Seele sein kann. Dafür begibt sie sich auf die Suche nach einem Gegenüber und verabredet sich mit eigens für dieses Projekt geschaffenen - eigensinnigen - Objekten. Zwischen seelennahen und seelenentlegenen Zwiegesprächen findet sich weder Fass noch Boden. Kein Wunder. Gut, dass wir nicht alleine sind!

In Körper und Seele, oder: Draußen bei den Innereien verhandelt Käthe Kopf ihre Perspektiven einer Choreografin, Autorin und Ärztin. In einem intensiven Dialog mit der Bildenden Künstlerin Lena Kiss ist eine Szenografie entstanden, die Spuren eines gemeinsamen Arbeitsprozesses über verschiedene Seelenbegriffe und heutige die Seele betreffende Alltagsimperative trägt. Die verschiedenen Objekte werden zu Bezugspersonen einer belebten Landschaft, die vielfältige Materialien, Größenverhältnisse und Figurationen vereint: Dort drüben hält sich ein abgehobenes Bein in Schwebe – hier hebt ein schwermütiger Teppich zum Rundflug an. Eine Performance der Dinge, (Text-)Körper und (Geistes-)Zustände entsteht, die offen lässt, was zuerst da war.

So werden wir auch herausfinden, was uns verbindet. Und ob wir einander noch ans Herz wachsen wollen.

Komm Liebes! Lass uns Nähe suchen.
Draußen bei den Innereien?

Künstlerische Leitung & Text & Performance: KÄTHE KOPF
Szenografie & Kostümbild: LENA KISS
Dramaturgie für Stück & Text: ALEXANDRA HENNIG
Lichtdesign: HANNA KRITTEN TANGSOO
Sound & Komposition: SIMON GEUCHEN
Sprecharbeit: CAROLINE SCHOLZ OTT
Körperarbeit: MIRJAM SÖGNER
Kamera & Schnitt: AÏSHA MIA LETHEN
Webdesign: JOSEPH WEGMANN
Presse & Öffentlichkeitsarbeit: AÏSHA MIA LETHEN
Produktionsleitung: DIETHILD MEIER

Eine Produktion von Käthe Kopf
Gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds
Mit freundlicher Unterstützung der Uferstudios und des ada Studios

ein visuelles tagebuch
wir sind alle fast unsichtbar füreinander geworden und das jahr 2021 kündigt kaum große veränderung an, nur vielleicht einen hauch von hoffnung…
jeder kauert sich zusammen und versucht die enormen schwierigkeiten, die dieses jahr für jeden von uns mit sich bringt, so gut wie möglich zu meistern und zu überwinden. sich selbst, anderen, einer anderen realität gegenüberstehen.
wir wissen nicht wie lange dieser zustand noch währt und wann die theater wieder zu einem ort des austauschs, des dialogs und sogar der inspiration werden. unsere taten sind oft lauter als unsere worte, deshalb möchten wir mit hilfe unseres visuellen tagebuchs »inmitten« durchlebte und erlebte momente der cie. toula limnaios in dieser besonderen zeit mit euch teilen.

das visuelle tagebuch »inmitten« ist dabei wie ein zeuge. es beinhaltet livestreams und eine reihe von kurzen dokumentarfilmen. der filmemacher bernd sahling begleitet unsere arbeit mit der kamera und filmt proben genauso wie technische umbauten, besprechungen, livestreams, improvisationen und all die anderen anliegen unseres ensembles und portraitiert in persönlichen interviews unsere internationalen ensemblemitglieder. wir öffnen die tür und laden ein, einen blick hinter die kulissen zu werfen.

Anouk van Dijk, derzeit Leiterin der australischen Tanzcompagnie Chunky Move, erarbeitete eine Uraufführung mit den Tänzerinnen und Tänzern des Staatsballetts Berlin. Von der Rotterdam Dance Group kommend und nach einigen Jahren bei der Pretty Ugly Dance Company hat Anouk van Dijk nicht nur mit dem Choreographieren begonnen, sondern auch eine eigene Bewegungsmethode, die „Countertechnique“ entwickelt. Jede der Bewegungen mit einer Gegenbewegung in Balance zu bringen, ist das Konzept, das dem Tanz ungewohnte Perspektiven eröffnet und das in ihren Werken eindrücklich praktiziert wird. Dem Berliner Publikum dürfte sie in guter Erinnerung sein, da sie an der Schaubühne Berlin wie auch beim Berliner Theatertreffen mit mehreren Projekten in Erscheinung getreten ist, die sie gemeinsam mit Falk Richter erarbeitete.

Die Aufzeichnung vom 1. Juni 2019 ist jeweils für 24 Stunden verfügbar.

Choreographie: Anouk van Dijk
Musik: Jethro Woodward
Choreographische Assistenz: Tara Samaya | Niharika Senapati
Probenleiter: Stephan Laks

Tanz: Jenna Fakhoury, Sarah Hees-Hochster, Ross Martinson, Johnny McMillan, Daniel Norgren-Jensen, Tara Samaya, Lucio Vidal

Eine poröse Landschaft aus Moos und Beton, darin poröse Körper. Knochen, Luftpolsterfolie knacken. Hohlräume und Poren öffnen sich, waren schon immer offen. Sie machen die Landschaftund die Körper fragil. Lassen sie in ihrer Verletzlichkeit und Wut erzittern. Und sie machen die Landschaft und die Körper durchlässig: Die Grenzen zwischen Innen und Außen sind in den Hohlräumen nicht mehr eindeutig. Die Körper werden Teil der Landschaft, die Landschaft Teil der Körper. Was kann daraus wachsen?

Die multi-mediale Choreographie physical prospects erforscht mit Körper, Sound und Installation das widerständige Potential des Porösen und Prekären. physical prospects nutzt die Porosität als eine ästhetische Analogie für das Prekäre. Die Choreographie nähert sich dem Prekärsein, eine körperliche Grundbedingung, und der Prekarität, eine unmittelbare soziale und ökonomische Bedrohung oder dessen Szenario:

Weil menschliche Körper verletzlich sind, ist menschliches Leben grundsätzlich prekär. Berlin 2021 – auch wenn wir diese Abhängigkeit teilen, trifft sie uns doch verschieden: Sie reißt unterschiedlich große Kluften auf zwischen der allgegenwärtigen Erwartung schon irgendwie klarzukommen und der sozialen und ökonomischen Realität, die genau das systematisch unmöglich macht. Die Dystopie der Gegenwart – Kapitalismus, Klimakrise und Konsorten – ist ein prekäres, ein poröses Geflecht, das stets droht zusammen zu brechen.

Wie kann Widerständigkeit in den prekären und porösen Hohlräumen Platz finden? Wie können wir Widerständigkeit an dem Ort finden, an dem sich Verletzlichkeit und Wut begegnen? Wut über die zugemuteten, aber unzumutbaren Umstände – Verletzlichkeit als radikalen Modus der Interaktion. physical prospects ist ein Manifest des Fragilen und Durchlässigen. In den künstlerischenProduktionsweisen und im geteilten Moment mit dem Publikum lädt physical prospects in die Hohlräume eines Gegenentwurfs ein – eine feministische Utopie?

Konzept & Choreographie: Nora Tormann
Performance: Milena Stein, Dominique Tegho, Nora Tormann
Bühnenbild & Licht: Helena Rauch
Musik: Zofia Tomczyk
Mentoring: Sigal Zouk

Wenn wir uns mitten im Leben meinen

Eine Kunstaktion für Corona-Betroffene von Nico and the Navigators und dem Kuss QuartettWir verschenken Kunst: An sechs Tagen im Februar – vom 22. bis zum 28. Februar 2021 – wird das Ensemble Nico and the Navigators im radialsystem Berlin für eine Reihe musikalisch-szenischer Miniaturen zur Verfü-gung stehen. Sechs Gäste sind eingeladen, sich jeweils ein Musikstück - von Pop bis Klassik - zu wünschen und von ihren speziellen Erfahrungen mit der Pandemie zu berichten. Zur Vorbereitung dient ein Fragebo-gen, der private sowie gesellschaftliche Aspekte von Covid-19 in den Blick nimmt. Die eingeladenen Gäste sind in unterschiedlicher Weise von dem Virus existenziell betroffen und stehen damit stellvertretend für viele Menschen in unserer Gesellschaft. Aus den Musikwünschen und Texten der Betroffenen werden Nico and the Navigators jeweils innerhalb eines Tages ein Musikvideo drehen, das dem Gast gewidmet ist. Die Teilnehmer können auf Wunsch auch anonym bleiben.

Ab dem 27. März wird die Musikvideo-Reihe P R E S E N T über die Webseite des radialsystems sowie verschiedene soziale Medien veröffentlicht. Die musikalische und szenische Besetzung für die einzelnen Videoclips kann variieren:Von dem Streichquartett Kuss Quartett, dem Pianisten Matan Porat, der Geigerin Elfa Rún Kristinsdóttir, dem Schlagzeuger Philipp Kullen, dem E-Gitarristen Tobias Weber, über den Bariton Nikolay Borchev, den Tenor Ted Schmitz bis hin zur Tänzerin Yui Kawaguchi, den Tänzern Ruben Reniers und Florian Graul, der Schauspielerin Annedore Kleist sowie dem Schauspieler Patric Schott.

Eine poröse Landschaft aus Moos und Beton, darin poröse Körper. Knochen, Luftpolsterfolie knacken. Hohlräume und Poren öffnen sich, waren schon immer offen. Sie machen die Landschaftund die Körper fragil. Lassen sie in ihrer Verletzlichkeit und Wut erzittern. Und sie machen die Landschaft und die Körper durchlässig: Die Grenzen zwischen Innen und Außen sind in den Hohlräumen nicht mehr eindeutig. Die Körper werden Teil der Landschaft, die Landschaft Teil der Körper. Was kann daraus wachsen?

Die multi-mediale Choreographie physical prospects erforscht mit Körper, Sound und Installation das widerständige Potential des Porösen und Prekären. physical prospects nutzt die Porosität als eine ästhetische Analogie für das Prekäre. Die Choreographie nähert sich dem Prekärsein, eine körperliche Grundbedingung, und der Prekarität, eine unmittelbare soziale und ökonomische Bedrohung oder dessen Szenario:

Weil menschliche Körper verletzlich sind, ist menschliches Leben grundsätzlich prekär. Berlin 2021 – auch wenn wir diese Abhängigkeit teilen, trifft sie uns doch verschieden: Sie reißt unterschiedlich große Kluften auf zwischen der allgegenwärtigen Erwartung schon irgendwie klarzukommen und der sozialen und ökonomischen Realität, die genau das systematisch unmöglich macht. Die Dystopie der Gegenwart – Kapitalismus, Klimakrise und Konsorten – ist ein prekäres, ein poröses Geflecht, das stets droht zusammen zu brechen.

Wie kann Widerständigkeit in den prekären und porösen Hohlräumen Platz finden? Wie können wir Widerständigkeit an dem Ort finden, an dem sich Verletzlichkeit und Wut begegnen? Wut über die zugemuteten, aber unzumutbaren Umstände – Verletzlichkeit als radikalen Modus der Interaktion. physical prospects ist ein Manifest des Fragilen und Durchlässigen. In den künstlerischenProduktionsweisen und im geteilten Moment mit dem Publikum lädt physical prospects in die Hohlräume eines Gegenentwurfs ein – eine feministische Utopie?

Konzept & Choreographie: Nora Tormann
Performance: Milena Stein, Dominique Tegho, Nora Tormann
Bühnenbild & Licht: Helena Rauch
Musik: Zofia Tomczyk
Mentoring: Sigal Zouk